Электро́нная му́зыка (от нем. Elektronische Musik, англ. Electronic music, в просторечии также «электроника») — широкий музыкальный жанр, обозначающий музыку, созданную с использованием электронных музыкальных инструментов и технологий (чаще всего при помощи специальных компьютерных программ). Хотя первые электронные инструменты появились ещё в начале XX века, электронная музыка как самостоятельный жанр утвердилась во второй половине XX века — начале XXI века и включает сегодня в свой обширный жанрово-стилевой спектр десятки разновидностей. Электронная музыка оперирует звуками, которые образуются при использовании электронных технологий и электромеханических музыкальных инструментов. Примерами электромеханических музыкальных инструментов могут служить теллармониум, орган Хаммонда и электрогитара. Чистый электронный звук получают, применяя такие инструменты как терменвокс, синтезатор и компьютер. Электронная музыка прежде ассоциировалась только с западной академической музыкой, но это изменилось с появлением доступных по цене электронных синтезаторов в конце 60-х.

Синтезаторы, благодаря своей умеренной стоимости, стали доступны не только крупным студиям звукозаписи, но также и широкой публике. Это изменило образ популярной музыки — синтезаторы стали использовать многие рок- и попартисты. С этого момента электронная музыка стала привычной частью популярной культуры. Сегодня электронная музыка включает в себя большое количество различных стилей от экспериментальной академической музыки до популярной электронной танцевальной музыки. Возможность записывать звуки часто связана с идеей производства электронной музыки. Но это не означает, что производство электронной музыки является целью процесса звукозаписи. В 1857 году французский издатель и книготорговец Эдуард Леон Скотт де Мартинвилль запатентовал изобретенное им устройство — фоноавтограф. Фоноавтограф был первым устройством, которое позволяло записывать звуки, однако не могло воспроизводить их. В 1878 году американский изобретатель Томас А. Эдисон запатентовал фонограф. Фонограф Эдисона, как и фоноафтограф Скотта, использовал для записи звуков цилидры, но, в отличие от фоноавтографа, звук можно было как записывать, так и воспроизводить. В 1887 году американский изобретатель Эмиль Берлинер представил свое изобретение — дисковой фонограф. В 1906 году появилось крупное изобретение, которое оказало глубокое влияние на развитие электронной музыки. Это был триодный ламповый усилитель (аудион) разработанный американским изобретателем Ли де Форестом. Это была первая электронная лампа, состоявшая из стеклянного сосуда с термокатодом внутри, которая позволила вырабатывать и усиливать электрические сигналы. Изобретение электронной лампы положило начало существованию радиовещания и сделало возможным появление электронных вычислительных процессов. Задолго до того как появилась электронная музыка, у композиторов существовало желание использовать вновь появляющиеся технологии в музыкальных целях. Было создано несколько инструментов, в конструкции которых были использованы как механические, так и электронные составляющие. Именно эти инструменты и проложили путь для появления более совершенных электронных инструментов. В период с 1898-

й по 1912й годы, американский изобретатель Тадеуш Кахилл работал над созданием электромеханического инструмента под названием теллармониум (англ. Telharmonium). Но этот инструмент не приняли из-за его габаритов: его версия 1906 года весила порядка 200 тонн, его механизм занимал площадь приблизительно равную 18 кв. метрам. Первым электронным инструментом принято считать терменвокс. Терменвокс был создан русским изобретателем Львом Термином приблизительно в 1919—

1920 году. Это инструмент, в котором звук извлекается путем движения рук исполнителя в электромагнитном поле двух металлических антенн. К ранним электронным инструментам так же относят: звуковой крест (фр. Croix Sonore), изобретенный в 1926-м году русским композитором Николаем Обуховым, и Волны Мартено, изобретенный французским музыкантом Морисом Мартено в период с 1919-го по 1928-й годы. Самый известный пример использования Волн Мартено — Турангалила-симфония Оливье Мессиана и другие его сочинения. Инструмент Волны Мартено так же использовался для написания музыки другими композиторами, преимущественно французскими, например, Андре Жоливе. Эскиз новой эстетики музыкального искусства В 1907-м году, всего годом позже после изобретения аудиона, Ферручио Бузони публикует трактат «Эскиз новой эстетики музыкального искусства» (нем. «Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst»), в котором он рассматривает возможность применения электрических и других источников звука в музыке будущего. Он предполагал, что в будущем октава будет разделена на большее количество полутонов, чем предлагает классический строй, в котором октава состоит из 12-ти полутонов, и это станет возможно благодаря динамофону Кахилла: "Только длительная и тщательно выполненная серия экспериментов, и постоянная тренировка слуха поможет новому поколению сделать этот незнакомый материал пригодным для работы и Искусства". Так же в своем труде «Эскиз новой эстетики музыкального искусства» Бузони пишет (сравнивая музыку с более древними видами искусства — живописью, архитектурой и скульптурой): Музыке как искусству, с трудом наберется 400 лет; состояние музыки на данный момент — всего лишь одна из ступеней ее развития, возможно самая первая ступень за пределами принятой сегодня концепции, а мы — мы говорим, что сложившаяся на сегодня музыкальная форма — это «классика» и «священные традиции»! И мы говорим об этом уже довольно давно! Мы создали правила, установили принципы, наложили законы; — мы применяем к ребенку законы, созданные для зрелого человека. Но ведь ребенок ничего не ведает об ответственности! Этот ребенок юн, мы осознаем, что он какой то особенный, и эта особенность дает нам понять, что он уже ушел дальше своих старших сестер. А законодатели не увидят этой особенности, потому что в противном случае их законам суждено забвение. Этот ребенок парит в воздухе! Он не касается земли своим ступнями. Над этим ребенком не властен закон гравитации. Он нематериален. Он состоит из некой прозрачной материи. Этот ребенок состоит из звучного воздуха. Это дитя почти воплощение Природы во всей ее сущности. Оно — свободно! Но свобода это то, что человечество никогда не понимало до конца, никогда не осознавало подлинную ее сущность. Люди не могут ни понять, ни признать существование свободы. Законодатели отрицают миссию этого ребенка; они вешают тяжкий груз правил и законов на его плечи. Ему едва ли позволено прыгать — в то время, как это его природа — следовать линии радуги и разбивать потоки солнечного света облаками. 1960-е — современность

60ые годы были плодотворными для электронной музыки. Успехов достигли не только музыканты от академической электроники, но так же и независимые музыканты, так как технология синтеза звука стала более доступной, и как следствие, в свободной продаже появились первые синтезаторы. К этому времени сформировалось и достаточно развилось сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и с новыми инструментами. В начале 60-ых появились два значительных произведения от двух влиятельных композиторов электронной музыки: «Гаргульи» (англ. Gargoyles) Отто Льюэнинга (произведение для скрипки и пленки) «Контакты» (нем. Kontakte) Штокхаузена (произведение для пианино, перкуссии и электронных звуков) - было создано два варианта пьесы: один для квадрофонической пленки, а другой вариант для пленки с пианино. В «контактах» Штокхаузен отошёл от традиционной музыкальной формы, основу которой составляет последовательное развитие композиции во времени и драматическая кульминация.Он пропагандировал идею «пребывания в музыке» не требующую «предыдущего» и «последующего»: пребывание, статически сконцентрированное на каждом данном мгновении.[3] Свой подход Штокхаузен назвал «момент-форма» (он похож на кинематографический приём склеивания плёнки встык, которую применяли в кинематографии в начале 20-ого века). В 1963 году появился первый синтезатор, автором которого был инженер и изобретатель Дон Бушла (англ. Don Buchla). Терменвокс применяли уже с 20ых годов, но широкую популярность этот инструмент приобрел, когда с его помощью была написана музыка для ряда научнофантастических фильмов 1950ых годов (например музыка Бернарда Германна для фильма День когда остановилась Земля). В 1958м году в Великобритании основана студия звукозаписи BBC Radiophonic Workshop.Эта студия начала свою работу в связи с выпуском в начале 60ых на канале BBC научно фантастического сериала Доктор Кто. Музыкальную тему сериала сочинил Рон Грэйнер, записала ее штатный сотрудник Дэлия Дэрбишир. В 1961м году израильский композитор Йозеф Таль основал центр Электронной музыки в Израиле в еврейском университете Иерусалима. Жан-Мишель Жарр Начало электронной музыке как самостоятельному направлению было положено на рубеже 1960—1970-х годов стараниями исполнителей краут-рока Can, Popol Vuh, Клауса Шульце и групп Tangerine Dream, Organisation, Kraftwerk, Cluster, Neu!. Черпая основные идеи как из спейс-рока и психоделического рока, так и из академического авангарда Карлхайнца Штокхаузена и Яниса Ксенакиса, эти музыканты создавали экспериментальные звуковые коллажи. Основная идея заключалась в использовании электроники как нового выразительного средства, способного вызывать в воображении сюрреалистические образы. В конце 1960-

х Роберт Муг создал свой первый коммерческий синтезатор MiniMoog. На протяжении 1970-х синтезаторы стали модным и популярным новшеством в музыке, постепенно вытесняя электрооорганы. Электронная музыка 1970-х - это в основном клавишно-синтезаторная музыка. К началу 1980-х годов установились три основных направления в развитии электроники: 1.Электронно-инструментальная музыка, использующая полный набор электро-музыкальных инструментов для создания композиционно развёрнутых синтезаторных пьес, часто на «космическую» тематику. Лидеры этого течения — Tangerine Dream, Вангелис. Сложились национальные особенности: представители «берлинской школы» тяготели к психоделической музыке (Tangerine Dream, Клаус Шульце), а французские исполнители — к более лёгкому, популярному стилю (Жан-Мишель Жарр, Space). 2.Фоновая «музыка окружающей среды», лишенная чёткого ритма и определённой мелодии, получившая название «эмбиент». Автором этого определения стал Брайан Ино, который по праву считается основателем стиля. Хотя многие музыканты играли эмбиент-музыку и до него. 3.«Песенные» формы электронной музыки (синти-поп, электро-поп, техно-поп), отличающиеся чётким, механистичным танцевальным ритмом, демонстративной искусственностью звука (синтезаторы более не имитируют звучание реальных музыкальных инструментов), использованием вокала (зачастую роботоподобного) в качестве контрапункта синтезаторной аранжировке, минимализмом и остинатной структурой композиции. Тексты песен часто имеют социально-футурологическую и научно-фантастическую направленность. Пионеры данного стиля — группа Kraftwerk. С приходом новой волны данное направление получило широкое распространение и популярность, выдвинув на большую сцену ставшую законодателем мира электронной музыки группу Depeche Mode, и множество их коллег по жанру (Pet Shop Boys, Гэри Ньюман, OMD, The Human League, Ultravox, и др.) Laibach Конец 1970-х и начало 1980-х ознаменовались появлением ряда новых технологий и связанных с ними новых жанров. С появлением программируемых драм-машин, таких как Roland TR-808, живые ударные практически исчезли из электроники. Большое влияние на музыку оказало появление брейкбита (ломаного бита). В композициях начали использоваться записи других исполнителей, зацикленные или обработанные. В электронную музыку с дискотек и радио перешла профессия ди-джея (DJ, Disk Jockey), который оперирует с пластинками на специальной установке (turntable). На волне успеха первопроходцев выросли многие музыкальные коллективы, обогатившие электронную музыку новыми идеями. «New Age» попал под влияние электронной музыки. Мастерством создания лирических электронных мелодий блеснул японец Китаро. Свою лепту в развитие популярного синтезаторного стиля внесли Марек Билински и группа Pond, югослав Miha Kralj; а в нашей стране — Михаил Чекалин, Янис Лусенс и группа Зодиак, Гедрюс Купрявичюс и группа Арго, Эдуард Артемьев, Свен Грюнберг, Лепо Сумера, Vadim Ganzha и дуэт электронной музыки «Новая коллекция» (Игорь Кезля и Андрей Моргунов). Лучшие их произведения ничуть не уступают признанным хитам маститых электронщиков. Мощную ритмичную музыку с танцевальными мотивами играют Laserdance и Koto. Но более всего различных подстилей и ответвлений содержит техно-музыка. Идеи Kraftwerk были «на ура» восприняты в ди-джейских клубах, и на поверхность из клубного андерграунда постепенно вышел новый стиль техно, в котором ритм и эффекты ставятся на первое место. Мелодия не обязательна, ибо цель такой музыки — достижение технотронного экстаза. Не случайно на клубных вечеринках зачастую использовались химические стимуляторы для усиления эффекта. Но существуют также и более музыкальные варианты техно. При соединении техно и эмбиента зародился стиль IDM — серьёзная техно-музыка, открытая к разного рода экспериментам. Таковую играют Orb, Autechre, Aphex Twin. Лидерами «психоделического транса» являются Juno Reactor и Astral Projection. И, наконец, соединяя электронную и рок-музыку, мы получаем «Techno-Industrial», в котором нет равных Skinny Puppy, Front Line Assembly, Front 242. В этот период начинается расцвет танцевальной электронной музыки, включающей в себя такие направления, как Hardcore (Хардкор),Techno (Техно), Electro (Электро), House (Хаус) или Trance (Транс). Электронная танцевальная музыка создавалась электронными музыкантами, первоочередной целью которых было предоставление композиций для исполнения их DJ (диджеями), типичными представителями данной культуры являлись Tiesto, Paul Van Dyk, BT, Paul Oakenfold, Armin van Buuren и Above and Beyond. Но электронную танцевальную музыку часто можно встретить и в формате полноценного музыкального альбома. Daft Punk Начало XXI века для электронной музыки ознаменовано стремлением к единству через бесконечное многообразие форм. Чистые стили остались лишь в теории. На практике почти любое произведение содержит в себе элементы очень многих видов музыки, и для описания альбомов приходится использовать сложные составные определения. Очень популярной является идея создания техно-ремиксов на темы знаменитых композиций 1970—1980-х годов. Такой переработке подверглась музыка Жарра, Space, Вангелиса, да и Tangerine Dream не отказались переработать сами себя, выпустив уже 4-й диск серии «Dream Mixes». Многие техно-музыканты постигали электронную музыку на шедеврах основателей жанра, и теперь уже сами основатели включают в свои произведения идеи новаторов. Альбом Жарра «Metamorphoses» выполнен с заметным вливанием техно/поп/нью-эйдж, а Клаус Шульце активно занялся экспериментами с techno/drum’n’bass звучанием (альбомы «Dosburg Online» и «Trance Appeal»). Техно, транс, эмбиент и индастриал переплелись воедино в альбомах Delerium, System 7 и Synaesthesia. Синтез тяжелого альтернативного панк-рока и техно представляют Velvet Acid Christ и Wumpscut. Открытый ещё в 80-х странноватый стиль Electroabsurd — «sound paintings» или эксперименты с электронными звуками продолжает Vadim Ganzha. Ностальгию по старым добрым временам, когда электронная музыка была доходчивой, выражает Андрей Климковский.

Типовая структура песни в популярной музыке
Чтобы понять типовую структуру композиции, нужно разобраться из каких частей обычно состоит песня. В большинстве случаев, таких частей восемь:
Вступление/интро;
Куплет;
Прехорус/бридж;
Припев;
Постхорус/тэг;
Проигрыш
Брейк;
Концовка/оутро.

Одни части песни могут не входить в аранжировку, другие — повторяться несколько раз, хотя все зависит от смысловой нагрузки, которую они несут, и желаний композитора.

Обычно каждая часть песни в аранжировке состоит из 8-16 тактов, хотя не редки случаи, когда длина отрезка составляет 4, 12 или 32 такта. Количество тактов напрямую зависит от музыкальной идеи, которую вы реализуете в конкретной песне.

Вступление/интро (Intro)
Небольшое введение в песню. Эта часть — первая, которая доносится до ушей слушателей. Задача вступления — подготовить слушателя к остальным частям композиции, а также логично подвести аранжировку к первому куплету.

Зачастую от того, насколько хорошо и интересно сделано интро, зависит общее восприятие песни: если вступление цепляет человека с первых аккоржов, то вероятность того, что он дослушает песню возрастает многократно.

С точки зрения содержания, само вступление может быть любым, все зависит от фантазии автора. Его можно сделать из одного-двух элементов основного трека (мелодия и ударные, бас и клавишные) или в аналогичном припеву виде (интро полностью повторяет все составляющие припева). Длительность вступления также зависит от желания композитора, но обычно интро укладывается в 2, 4 или 8 тактов.

Куплет (Verse)
Главная смысловая часть любой песни. Именно здесь располагается весь текст и общий информационный посыл композиции. Помимо донесения основной мысли, в задачи куплета входит подготовка слушателя к последующим частям песни.

В отличие от припева и бриджа, слова этой части песни обычно являются уникальными для каждого куплета. Строго следовать этому правилу необязательно: в мире найдутся десятки и сотни отличных песен с очень простыми куплетами.


Пример структуры песни и аранжировки. Композиция состоит из вступления, двух куплетов, четырех припевов, соло или инструментального проигрыша и концовки. Песня укладывается в 3 минуты 30 секунд. Прехорус/Бридж (Pre-Chorus/Bridge)

Бридж (от англ. Bridge — мост), или, как его называются в США, прехорус (от англ. Pre-Chorus — предприпев) — связующее звено между куплетом и припевом. Так как припев является самой яркой частью песни, в аранжировку добавляют бридж, который ослабляет контраст между куплетом и припевом.


Домашний интернет и кино 3 месяца бесплатно.
Перейти на сайт
Если гармония куплета и припева строится на одних и тех же аккордах, бридж может внести разнообразие в общую канву композиции за счет измененной последовательности аккордов. С точки зрения слушателя, прехорус делает композицию интереснее.

Припев (Chorus/Refrain)
Припев — одна из кульминационных частей композиции. Эта часть должна легко запоминаться, но не надоедать — композиции хватит 2-4 припевов, отличающихся своей длиной. Так как припев самая повторяемая часть любого трека, она содержит в себе главные лирические и музыкальные идеи. Именно здесь находится главный информационный посыл композиции, а также музыкальный хук, цепляющий слушателя.

Обычно первое появление припева состоит из 8 тактов (одиночный припев), а второе появление — из 16 тактов (двойное повторение припева с небольшими неявными изменениями). Последний припев песни, появляющийся в конце композиции, может состоять из 16-32 тактов. По своему опыту скажем, что чем меньше припевов в конце песни, тем лучше.

Постхорус/Тег (Post-Chorus/Tag)
Не редки случаи, когда последняя строчка припева выходит за рамки отведенных ей композитором тактов. Такое положение вещей может стать проблемой, если текст следующей части песни (например, куплета) начинается с затакта.

Чтобы слова не накладывались друг на друга, композиторы и аранжировщики вставляют 2-4 такта, которые позволяют вокалисту немного передохнуть перед продолжением песни, а также делают музыкальное повествование более гладким.

Постхорус аналогичен прехорусу и может быть любым: в виде припева или вступления с простым напевом бэк-вокалистов, в виде инструментального проигрыша или наигрывания основной мелодии песни в немного измененном виде. Здесь все зависит от фантазии аранжировщика и композитора, а также музыкальной составляющей песни.

ЧТО ТАКОЕ ПОПУЛЯРНАЯ МУЗЫКА?

Когда мы говорим о популярной музыке, многие музыканты думают, что речь идет только о поп-музыке, но такое суждение ошибочно. Определения «Популярная музыка» и «Поп-музыка» не синонимы, и относятся к совершенно разным стилистическим направлениям. Термин «Поп-музыка» используется для определения конкретного жанра — «поп».

Что же касается термина «Популярная музыка», то сюда относится огромное количество самых разнообразных музыкальных стилей, не имеющих никакого отношения к поп-музыке: рок, фьюжн, ритм-н-блюз, индастриал, диско, рок-н-ролл, регги, ню-метал, альтернатива и т.д. Таким образом, популярная музыка — это музыка разнообразной стилистики, ориентированная на широкого слушателя.

Проигрыш (Middle 8)
На Западе проигрыш ближе к концу песни называют Middle 8, что дословно можно перевести как «средняя восьмерка». Тем не менее, некоторые музыканты называют Middle 8 бриджем. Обычно эта часть отведена под инструментальную составляющую: в Middle 8 чаще всего встречается соло или какой-либо проигрыш с измененными партиями и мелодиями.

Смысловая нагрузка этой части — достигнуть кульминации композиции перед появлением последнего припева или брейка. На протяжении песни динамика и энергетика композиции постоянно нарастает, достигая своего апогея именно в проигрыше.

Как это понятно из английского названия, по своей длине проигрыш обычно составляет 8 тактов, хотя иногда встречаются и более длинные варианты.

Брейк (Break)
Временами после проигрыша появляется еще одна небольшая вставка, именуемая брейком (от англ. Break — обрыв, обвал, пауза). Смысл брейка в том, чтобы дать слушателю небольшую передышку. Согласитесь, слушать песню, в которой постоянно что-то происходит, может быть утомительно.

Зачастую брейк отличается минимализмом и обычно строится на тех же аккордах и мелодии, что и припев. Иногда брейк представляет собой небольшой и спокойный прехорус перед последним припевом. Средняя длина брейка — от 4 до 16 тактов.

Концовка/оутро (Outro)
Финальная часть песни. Может совпадать с вступлением или быть его полной противоположностью, представлять собой несколько повторений припева с постепенным снижением громкости (затухание, Fade Out) или быть совершенно уникальным и не похожим на другие части песни.

Какой будет концовка песни, зависит от остальных ее компонентов. В особо активных композициях есть смысл уйти в тишину через повторение припевов, в балладах можно взять несколько других аккордов — решать это только самому композитору.

Итоговая структура песни в популярной музыке


Песню можно представить в виде графика. Движение музыки, усиление напряжения и динамики идет по параболе — то вверх, то вниз.
Если представить любую композицию в виде графика, то самым точным отображением станет парабола. На протяжении всей песни музыка набирает обороты, достигает кульминации, а затем плавно выходит на концовку.

Часть песни Возможная длина
Вступление 2-8 тактов
Куплет 8-32 такта
Прехорус/бридж 2-16 тактов
Припев 8-16 тактов
Постхорус/Тэг 2-4 такта
Проигрыш 8 тактов (иногда 16)
Брейк 4-16 тактов
Концовка 2-4 такта

Не делайте все части будущего хита длиной 32 такта — у каждого элемента композиции своя длина, которой стоит придерживаться. Каждая композиция требует индивидуального подхода, поэтому не перегружайте аранжировку и не пытайтесь впихнуть в нее все части, которые только могут быть.

Типовая структура песни в электронной музыке
В отличие от популярной музыки, типичные электронные треки состоят из несколько иных частей. Дело в том, что на аранжировку электронной музыки не в последнюю очередь влияет радио: песни должны вписываться в формат профильных радиостанций, в котором нет места миксам бесконечной длины.

Вместе с тем, аранжировка танцевальных и электронных треков должна быть такой, чтобы под нее было комфортно танцевать. Длинные секции нужно сменять короткими отрезками для передышки танцующих. Обычно танцевальная композиция состоит из семи типовых частей:

Вступительный бит;
Брейкдаун;
Билд-ап;
Дроп;
Средний брейк;
Второй дроп;
Заключительный бит.